這首「小詼諧曲」是《展覽會之畫》中最著名的樂章之一，令人不得不讚賞Moussorgsky的想像力。然而譜面看起來雖然稀稀落落，卻也包含不少技巧問題。
在Scherzo的部份，首先會遇到的就是Coordination的問題，它把Coordination中最棘手的東西，如左右手交替、裝飾音、後半拍、完全異質的運動模式、劇烈的in & out...等等，全部加在一起，還要leggiero，真是有夠刁鑽，雖然它的效果非常好，但實在不得不令人懷疑他是不是故意這麼做的。
第二個問題就是不按牌理出版的和絃。前四小節還好，但當小雞們開始狂奔的時候，和絃就開始亂來了：
左手的排列：半－全－半 |半| 半－全－半 |全| 半－半－半 |半| 半－半...幾乎沒有什麼章法可言，練的時候真是令人覺得又好氣又好笑。今天練到一半學生就來了，沒有太多時間把它練完，等教完之後又已經九點半，早已累到無法練習，我想這就是教學者的矛盾吧！
Evgeny Kissin在YouTube有幾段效果十足的錄影：1 2 3 4
〈雛雞〉大約在第二段的5'33"處。預計下一版的EMFA講義可能會從其中選一些曲子喔！
這算是一個全新的體驗。雖然過去也有人拿我的檔案去講，但我本人就在現場這種事好像還是頭一遭。這有點像是坐在台下聽自己的作品由別的團體來發表，但通常演講用的檔案，若本人在場的場合不太會是由別人來講的（或許有研究生代教授做檔案的情形，那就另當別論了），因此這種體驗雖和作品發表有相似之處，但卻也算是另一種難得的體驗。
於是我也跟著自己設計的聆聽活動，開始聆聽內心的聲音。馬勒的樂聲和尼采的字句，在隔壁吵雜的施工聲音當中，顯得格外珍貴而令人憐惜，令我聯想起演講中的內容：平日心中顯性聲音和隱性聲音之間的交戰。
樂聲漸漸消逝，心靈也漸漸沉澱下來。然而在這段聆聽中引起我注意的，不是文字語言類的聲音，而是一段二聲部的莊嚴片段：
我找了助教來試著哼唱，然而試了幾次音都不準，就先作罷了；因為在我心中聽到的聲音，彷彿是千人的合唱聲；它有歌詞，但不是中文（倒有點像是俄文）；並且我雖只記下兩個聲部，但它聽來或許因為人多，卻像四聲部一樣豐滿。
捕捉內心的聲音，確實有它的難度。在聆聽的同時，我到另一個聲音說「我想作曲！」，但這聲音究竟來自何方？它真的是微小的聲音嗎？若是，它真的來自天上？來自天上的聲音時常會被俗人的聲音假冒，或是被習慣中的顯性聲音所扭曲或取代......
經過人生的歷練之後，在聆聽內心聲音的事上，我們是否會變得更有智慧呢？
今日一早便搭上7:55的高鐵，南下奇美文教基金會開會。抵達後第一個映入眼簾的，就是在眾多重工廠環伺下的雪白雕像群，形成一種相當另類的震撼。（圖中樹的左方就是整片冒著白煙的重工廠）
早上因坐高鐵而提早抵達，便坐在博物館一樓的咖啡廳，仔細地感受如此奇特的空間所象徵的含義。11:00開始做網站beta release的簡報，結果算是相當成功，也受到大家一致肯定，中午我便立刻傳了簡訊給所有幕後英雄們，和他們分享這份享這份喜悅。
下午參觀過奇菱的47"超大面板之後，回到博物館一樓的咖啡廳開會，會議後便直接前往台南機場搭飛機回台北講課。
晚上講課的主題是「各種織體中的樂句型態」，織體(texture)有學員看做「纖體」，讓人以為是減重塑身課程。由於上週有些學員請假，因此只好邊複習邊講新的內容，在又唱又跳的兩個小時之中，宣佈了令學員們發抖的期中考：G. F. Handel的For unto us a child is born，並用完今天僅剩的力氣。
不過因為明天一早9:30又有另一段課程要講，因此一回到工作室又開始review守仁的檔案。守仁明天早上不在，因此我提議交換講課內容，早上他的部份由我來講，下午我的部份則交給他（這一幕早在我選太極圖之時就已經浮現在腦海中了）。順了其中的一些內容之後，總算可以休息了。我親愛的，明天見！
樂曲分析的教材，多年來我都用Turek；這次找到另外一本（似乎更便宜），在選曲方面並不比Turek差，雖然曲目限於巴洛克以後，但取材仍相當豐富，是日後可以考慮的替代教材。
New Historical Anthology of Music by Women (ed. James R. Briscoe)
買下這本曲集有一個偷懶的動機，就是要找女性作曲家時可以省事些，因為裡面收錄了自古希臘以來四十多位女性作曲家的簡介及作品（當然也包括了一些眾所熟知的人物，例如Clara Schumann），並且有實際的樂譜可供使用。
Teaching Creatively by Working the Word: Language, Music and Movement (Katz Thomas)
這本書實在不便宜，但我發現它的用途可以延伸到許多領域，並且有些部份是以對話的形式呈現（讓我聯想到在許多東西方古老典籍中可以找到的呈現方式），無論對於引導成人或孩童，都有一定的參考價值。
......然而脫離了藝術的前提，藝術還剩下什麼呢？對於忠於藝術的創作者來說，它就像自毀的virus程式，藉由善與人同的USB潛入藝術家的創作系統中，附著在情感核心系統程式中；到了發作的日子，創作系統就像中毒的電腦，緩慢到令人無法忍受的地步。到頭來只能用若塵在《水都》中的詩句來形容：「……一種／資本主義的毒害過程／讓人／深陷其中。」(取自即將發表的專欄文章)
由foreground（取自Schenkerian用語）視之，我的生活充滿無窮無盡的動機變化；然而仍然有一些middleground或background層次的趨勢或階段。如今我將透過雜誌專欄宣告上一個創作階段的結束。
事實上這個階段的結束並不是一個明確的日期，而是一段漫長的過程，相關的事件包括對藝術生態與專業教育的省思、與一些業餘團體合作的過程、以及對於來自內心深處訊息的體悟－包括Pieta計劃的成形。
對於這個階段的產能，坦白說我自己並不滿意，然而在內心體悟逐漸增長的過程當中，也留下了一些足以代表這個階段特徵的作品。例如：聯篇歌曲《回憶》、小提琴曲《第一號抒情文：夢》(2003)、合唱曲《三首短詩》(2005)、兩首阿美語傳統歌謠 (2006)、以及音樂劇《網路情迷》中的一些主要片段等等。若要總結這個階段的想法，大概可以用「降低隱喻的難度」這幾個字來形容。
在EMFA Level One(A)的課程後半段，我將略略提到「隱喻」(metaphor) 這個藝術中極為重要的課題。我們的時代是一個隱喻失落的年代，也正是因為如此，深沉的智慧也隨之隱沒，藝術的能量便向文化暴民隱藏，使他們如索多瑪的人群在屋外摸不著房門。然而如今是時候了，我將進入更隱祕的內室；而門扉啊！請向這真摯的人們顯露吧！
2007 0419 - Pieta Conservatory藍圖第一次整合的日子我們所處的世界，好像不斷地營造著許多華麗的景象，好讓我們忘記死亡。無論是愛、是恨、是喜悅、是痛苦、是追求光輝燦爛、或是怡然簡約平淡，無論何種高談闊論、何種人生哲學、或許時下各種流行趨勢、各種充斥於報章的說法，都好像能產生一種麻藥般的效果，讓我們避免去思考死亡，因而失去了面對死亡所能帶來的深奧智慧。
醒來後，我反覆思索夢境的意義，試圖追溯昨日的經歷，或許是和幾位師長及友人談論到Pieta Conservatory的相關想法後產生的心境、以及所暗示的一種蕭瑟感受，為這位稀客舖出一條來訪的路；然而我突然轉念，思索希臘文中anileos（無憐憫）背後的深意，猛然驚覺這位稀客的來意，並啟發了我一件事：對於東方民族來說，諱言死亡是生命的一大騙局，而這一騙就是數千年的荒蕪。
西方的聖經中有一句話曾經吸引我的注意：
"O death, where is thy sting? O grave, where is thy victory?" (1 Cor. 15:55)
這句話暗示了「永生」的觀念對於人的價值，死亡不是一切的終點，今生的努力都是為了來世的永遠生命作預備；然而我感受到它帶來的問題並不亞於恐懼死亡。這令我聯想到另一段詩句：
What is our life but a series of preludes to that unknown song
of which the fast solemn note is sounded by death?
我想我們需要的，是一種對於死亡滿懷敬意的領悟－包括自己的死亡。沒有這樣的領悟，真正的Pieta就沒有到來的一天。
原來死亡果然是一切創造力恢復的契機？
Siegmund選曲是我很久以前就想練習的曲目，據說這是華格納《指環》中最受人喜愛的角色之一，但他出現的時間很短，在《女武神》開場時出現，沒多久就死在Wotan的手下，但他卻唱出整部《指環》聯篇中最像傳統詠嘆調的動人片段之一。
或許Siegmund的死，除了代表他悲劇英雄的身世之外，也暗喻著傳統詠嘆調形式的消逝吧！雖然它充滿了令人懷念的歷史，但在如華格納般開創未來的作曲家眼中，畢竟只是昨日的風華；然而華格納仍安排一個英雄男高音(heroic tenor)的音色，讓這個角色不失其迷人的光彩。
Winterstürme wichen dem Wonnemond,
in mildem Lichte leuchtet der Lenz...
冬日風暴，在令人欣喜的月色中消逝，
春天閃耀，在溫柔的光芒之中......
初次視唱，感覺到一股奇妙的力量，而Siegmund深情的旋律和劇中暗示的美景，不斷迴旋在我的腦海......
這句一針見血的話，原是基於對人本質上的追求而說的，然而其惡果卻遠非這句話本身可以比擬：
真摰的藝術家們天天在人性錯謬認知的污泥中掙扎，
假藝術家則根本就是拿這些爛泥來作畫、沽名釣譽；
我們的教育，是用這些泥漿曬乾的泥塊砌成的大廈；
政治家的廚房中放滿了泥水提煉而成的醬汁與佐料，
巴不得端出的每一道菜，都浸泡在這些汁液當中......
生命的歷程本身就是一本碼書，寫滿了各種奧祕的信息，因此教學往往就是一連串的解碼過程；在包含EMFA的各種課程中，探究並恢復此種對於人（包括自己）本質上的認知，往往是最重要的主題，它甚至是一把神兵利器，不斷斬除生命中的荊棘，使農作物得生長，開始迎向豐收的日子。
今天我和一位學生談到對於人生目標的想法，他告訴我他做許多事都無法持久，連唸一本書也無法堅持下去。沒有方法，不能從閱讀中得到立即的快感，當然無法持續下去，因此我便以剛好帶在手邊的《觀念藝術的淵源與發展》為例，開始為他講解讀書方法（對高中生來說或許不算是一個好素材，但重點在方法，所以也無所謂）。在引導的過程中，我發現小朋友突然對「杜象出現在第幾頁」、「反傳統的形式主義作品看起來長什麼樣」......等問題開始產生好奇。（怪吧？）
講完之後，我感覺到這名高中生頓時豁然開朗，馬上告訴我這樣的方法可以應用一些在別的地方（舉一反三是學習過程中最好的反應之一）。諷刺的是，這些基本的道理並不在學校教育的範疇，孩子也提到，長久以來他讀書都只關心考試會考的東西。
先前我說了一個比喻：學生時代大家都好像在池塘裡找魚群，然而水中視野有限，大家只能儘量亂逛，企圖記得魚群在池塘中的位置；老師則像是由池塘上方往下看，告訴同學魚群的方向。若是你開始脫離在池中漫游的行列，開始往上爬升以離開水面，希望取得與老師相同的視角，其它同學就會告訴你：笨蛋，魚又不在上面。
語畢，小朋友笑了，似乎突然想通了一些事。
閱讀這類中文藝術理論的書籍時，第一個會遇到的困難是文句不太通順（有時甚至比原文書還難讀）；第二個會遇到的困難是著者自己還不到融會貫通的地步，有時在拚湊不同來源的文獻時會產生意義不連貫、甚至矛盾的情形。因此我對使用這類書籍的建議是：把它當作通往更多原文文獻的轉運站，並仔細分辨何為文獻的觀點，何為作者自身的觀點。
談到「藝術的本質」，這真是藝術中最困難的一段，若不是從小就在「本質的世界」當中成長，而長大後也沒有機會跟隨高人潛心修煉，幾乎無法碰觸本質的問題。偏偏我們的教育從來不強調本質的問題。
回歸本質的世界，對於一位成年人來說，就像回到母親懷抱那樣溫暖，和我所關切的「返魅」、「跨領域」等議題息息相關，也是解碼「無憐憫世代」的重要線索之一。若是「觀念藝術」這種一般人眼中相當「另類」的途徑，可以帶領我們探究本質的世界，何妨一試？只是這樣的探索，是一種前往異鄉的感受，或是終究會成為一趟原鄉之旅？這就有待細細揣摩了。
已經很久沒有這種感覺了，為了一種價值感而練琴。坦白說，在教學上受到許多挫折，或多或少影響著我的練習，每首我教過的曲子，都帶著許多記憶。然而今日在我的grand piano上彈奏此曲，感覺格外響亮。（圖：我的Diaposon grand piano）視奏完我負責的樂章之後（還加上一些不是我負責的部份），我感受到Moussorgsky獨特的樂思，或許在某些人的眼裡稱不上是完美的，但卻具有獨特的個性，並且許多隱藏在低音和絃中的旋律，對樂器的性能是一大考驗。所幸我的三號Diapason是我親自挑選的，應付這樣的樂曲可說是毫無困難（我突然驚覺從挑選他跟著我到現在，我還沒有好好地在他身上注入我的靈魂，我甚至沒有好好查過Diapason這個字是什麼意思）。
離開琴房之前，我練了一會兒當中最有名的樂章The Great Gate of Kiev《基輔城門》，Moussorgsky那非凡的樂思灌滿了我的靈魂，我試著更動一些音符使它達到我要的效果，這個樂章在我的鋼琴上效果相當不錯，甚至不必假Ravel之手，就可以感受到其中的力量。中間有一行術語頗值得玩味：senza espressione，那是一段充滿降記號與重降記號的段落，我猜想Moussorgsky一定認為許多鋼琴家看到這段，會想加入各式各樣sentimental的表達，但那些音符，彷彿雋刻在城門上的偉大歷史，無須假旁觀人的愁緒即已自顯光榮。
走出琴房，漫步在平日走過的尋常街道，《基輔城門》的樂音再次在耳邊響起，我感受到那屬於鋼琴家的獨特光芒，再次照耀在我身上。
小提琴協奏曲《台北四季》
鋼琴作品一闋
藝術歌曲一組（廢名詩）
Beatles編曲（委托）
阿美語藝術歌曲專輯
客家歌謠《一片桐花一片情》
這是讀《莫札特效應》時看到的一句話。有時讀這類書籍，它引用的句子比它的內容要有趣多了，畢竟不是每位作者都是個good story teller（或是說，畢竟不是每個故事都和我有緣份）。
然而身為教學者，若不能相信每件事都是奇蹟，或是說不能期待每個生命都是會是一個奇蹟，有時真的很難繼續下去。（或許自己能繼續教下去，本身也就是一個奇蹟？）
這兩天突然打了幾通怪電話，一通打給我最常去的二手琴工廠老闆，另一通則打給進口樂譜商老闆，和他們提到音樂學校的計劃，琴行老闆很支持，而譜商老闆立刻說電話裡談不清楚，要我前去和他當面談。掛上電話，這陣子教學中的陰霾頓時消散了。
書上說希臘文的Logos不僅是「道」，也是「聲音」的意思（若指聲音的話當然也包含音樂－聲音當中最精緻的一種）。因此我想，一個關乎音樂的理想，或許也要不斷地說出（聲音）來，讓言語的Logos為音樂的Logos「預備道路」－而音樂的Logos將帶領大家進入一個全然隱喻的世界。
「莊嚴的音樂是對於昏迷的幻覺無上的安慰，願它醫治好你那在煎炙著且失去作用的頭腦！」（莎士比亞《暴風雨》）
「對《狂人日記》的理解，我比魯迅先生自己瞭解得更深刻。」（自學生湯一介的回憶文）
這句話的氣味令我覺得好熟悉！我想這或許就是上天安排我和廢名先生的詩相遇的原因吧！引介的這位出版界人士對廢名的詩文有極高的評價，甚至斷言這批重見天日的詩稿《鏡》，價值絕對在胡適、徐志摩之上。
過去我對新詩界沒有太多接觸（勉強算得上一次的是在某國家級基金會的場合遇見余光中），這次廢名詩稿的出版及發表會，想必是詩壇大事。而對我來說，能受邀譜曲的意義，我想除了那股莫名的「熟悉感」之外，另一件意義重大的事，我相信會是：重新使「詩」與「音樂」產生火花！它可說是廿一世紀文藝復興的重要前驅：「返魅」的先兆！正如德國浪漫文學運動預告了高潮迭起的十九世紀浪漫樂派一般。
湯一介文中引用了一首廢名的詩，摘錄如下：
《十二月十九日夜》（收於廢名詩集《水邊》） 深夜一枝燈，
若高山流水，
有身外之海。
星之空是鳥林，
是花、是魚，
是天上的夢，
海是夜的鏡子。
思想是一個美人，
是家，
是日，
是月，
是燈，
是爐火，
爐火是牆上的樹影。
是冬日的聲音。
這首詩取自先前已出版的詩作，這讓我領悟到為何他的詩要被埋沒到今日，因為這樣詩必須被譜曲，否則凡人無法觸及詩中精微的境界。讓我們拭目以待！
